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国際ダンス映画祭2021 オンライン配信
INTERNATIONAL DANCE FILM FESTIVAL 2021 ONLINE

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

ヴァージン

監督:カミエル・ズワート
振付:アンドレア・ベーカー、マリア・コンチェッタ、フィオレンツァ・ダレッサンドロ
[オランダ・イタリア 2020]

Virgins

Director:Camiel Zwart
Choreography:Andrea Baker, Maria Concetta Borgese, Fiorenza d'Alessandro 
[Netherlands/Italy 2020]

Director: Camiel Zwart
Idea: Andrea Baker, Maria Concetta Borgese, Fiorenza d'Alessandro
Choreography: Andrea Baker, Maria Concetta Borgese, Fiorenza d'Alessandro
Dancers: Andrea Baker, Maria Concetta Borgese, Fiorenza d'Alessandro, Gemma Carducci, Alessandra Caruso, Chiara Cingolani
Producer: Blackframe Sanne Cousijn
Editor: Camiel Zwart
Camera: Camiel Zwart
Music: Martijn de Man
Co-producer: Canova22

カミエル ・ズワート
 
2006年にオランダ映画アカデミーを卒業してから14年以上、映画監督として活動してきました。私の最初のダンス映画は国立バレエ団と創作したものでそれ以来、モダン・ダンスに強い関心があります。リュミエール兄弟が映画を発明して以来の映画と動きの深い関係を考えると、動作を通じて物語を語るダンスが愛おしく思えるのです。兄弟が最初に撮影したのは汽車が動いて駅に到着する映像でした。彼らがロイ・フラーのサーペンタインダンスを撮影するのはその少し後のことでした。映画は美しい動きなくしては存在できません。それがなければ、静止画と一緒なのです。ダンスにとっても動きは物語を語る上で欠かせない要素ですから、この2つの手法の組み合わせは物語を語ろうとするときの非常に強力なコンビネーションなのです。私はこれまで多くのダンス映画を監督し、好評を博してきました。特に『13番線』は、全世界70以上の映画祭に選出され、12の賞を受賞しています。ドキュメンタリーを学んだ私はいつでも社会問題をテーマに取り上げています。最新の2作品では、オランダの学校の障害者隔離と、若者の借金について扱いました。私が望むのはテーマについての議論の誘発と、社会の変化なのです。これまで創作してきたドキュメンタリー作品は、IDFA、TIFF、プリックス・ヨーロッパ等の映画祭で上映されました。監督業の外にも、自身のプロダクション会社ブラックフレームを経営し、シネダンスでダンス映画ワークショップの講師を務めています。
 

Camiel Zwart
 
I’ve been working as a film director for more than 14 years, ever since I graduated from the Dutch Film Academy in 2006. I made my first dance film together with the National Ballet and have always been very interested in modern dance. I love the way dance tells a story through movement, knowing that movement and film have been connected ever since the Lumière brothers invented the film camera. The first film the brothers made was a shot of a moving train arriving at a station, and soon after they filmed Loie Fuller’s serpentine dance. I feel that film only exists with the grace of motion. Without it, it could just as well be a picture. In dance, movement also is the key element of telling a story. When you put the two art forms together you create a very powerful combination of storytelling. I’ve directed many dance films, all well received on the festival circuit. One of them, Platform 13, was selected for more than 70 festivals worldwide and won about 12 awards. Schooled in the documentary tradition, I always address social issues. My last two films were about segregation in the Dutch school system and young people in debt. I always aim at sparking a debate or initiating social change in the subjects I address. My documentaries have been shown at festivals such as IDFA, TIFF and Prix Europa. Besides directing I also run my own production company Blackframe and I work as a dance film workshop instructor for Cinedans.

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

スリー・ステップス

監督:アントネロ・マタラッツォ
[イタリア 2020]

Tres pasos(Three steps)

Director:ANTONELLO MATARAZZO
[Italy 2020]

Regia / Director : ANTONELLO MATARAZZO
script : Antonello Matarazzo
Musiche / Music : Rocco De Rosa
Interpreti / Cast : Tekla Gogrichiani
and
Rocco De Rosa (piano)
Andrea Di Cesare (violin)
Pino Pecorelli (contrabbass)
Pasquale Laino (clarinet)
Santi Pulvirenti (quatro)
Antonio Franciosa (percussion)
Fulvia Di Domenico (voices)
 
www.antonellomatarazzo.it 

アントネロ・マタラッツォ

画家、映画監督、ビデオ・アーティスト。ミディアリズムを主唱。映像作品は数々のイタリア国内外の映画祭で受け入れられ、既に回顧上映の提案も挙がる。彼の探求の核は静止画と動画の間に生じる多義性にある。絵画、映像、映像インスタレーション作品には、内省的で人類学的な側面が通底している。第53回および第54回ヴェネチアビエンナーレにて作品が展示された。

Antonello Matarazzo

exponent of Medialism, is a painter, director and video artist. His videos have been welcomed in many Italian and foreign film festivals, some of them already proposed his retrospectives. The core of his research is based on the ambiguity between still image and moving, the link between his painting, video and video installations is his tendency to the exploration of introspective and anthropological aspects. His work was showed in the 53° and 54° Venice Biennale.

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
Q
登場する人々との客観的な距離感をとても面白く拝見しました。移民についての作品を作ろうと思ったきっかけはありますか。個人的な体験が元になっているのでしょうか? 



A:アントネロ・マタラッツ
タンゴは他の何より、あらゆる文化の影響で形を変えられてきた踊りです。考えていただければわかると思うのですが、地球の人類は誰もが、過去何千年にもわたる交易、戦争、侵略、移民、民族間交流などによって引き起こされた変化を遺伝子に抱えているのです。私に言わせればタンゴダンサーの態度も、音楽と同様にこの変化の痕跡が見て取れます。だから人類にとって止むことがない移民という題材に取り組む時、隠喩としてタンゴを扱うことが最良に思われたのです。何より「タンゴ」は本来「故郷を想う」という意味ですし、海を渡って我が家に帰る古代ギリシャの物語を思い出させてくれます。
 
Q
タイトルの「Tres pasos」は、「a tres pasos」で「3歩先へ」という意味だと辞書にありました。それとも、ここで踊られているダンスのステップのことを指していますか?このタイトルにはどんなメッセージがありますか?
 
A:アントネロ・マタラッツォ
タイトルはロッコ・デ・ローザによる同名の楽曲からの引用です。想像上のダンスの3つのステップを表していて、この映画では「道」や「突破口」という意味に捉えることができるでしょう。3つの決定的なステップを先へと踏めば、国境を越えたり、人生に重大な変革が起きるのです。もし時間が空間として目の前に現れるとしたら、一方には決して戻りたくない過去があり、もう一方には希望に満ちた未来があるでしょう。未来へとステップを踏み出すということは、あるいは幻滅、難破、失敗、もしくは夢の達成へと踏み出すということなのです。3つのステップは、謎に包まれた自分自身に対面させてくれるのです。

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
Q
I found it very interesting how the film seemed to have an objective sense of distance with the people appearing in it. Would you please tell us why you decided to make a dance film about migration? Was there any personal experience that inspired you?
 
A:Antonello Matarazzo


Actually, the tango is, more than any other, the popular dance that is most affected by cultural contaminations of all kinds. If you think about it, you can realize that there are no people in the world who do not carry within themselves the genes of millennia of transformations produced by commercial exchanges, by wars, conquests, migrations and crossings between different ethnic groups. In my opinion, tangueros’ attitude, as well as music, show evidence of those roots. This is the reason why tango seemed to me the most appropriate metaphor to talk about the ineluctable and unstoppable phenomenon which migration is. What's more, ‘tango’ stands for ‘nostalgia’, reminding the ancient greek theme of returning home by the sea.

 
Q
Looking up the dictionary I found out the title Tres Pasos means "Three steps ahead" in Spanish. Is it about the steps done by the dancer in the film? What message does this title have?


 
A:Antonello Matarazzo
The title is borrowed from the original piece of music by Rocco De Rosa, they are three steps of an imaginary dance that in the film sound like "passage" or "breakthrough" - three decisive steps that make you cross a border or definitely change your life. I mean, it is as if space were transformed into time: on the one hand there is the past to which you hardly want to come back and on the other what the future is expected to be.  The step ahead deals with illusion, shipwreck, failure or dreams that will come true. It deals with the unknown we are made of.

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

コピアーレ

監督 クローディア・ウンゲスベック
サウンド クローディア・ウンゲスベック, マティアス・マイクス
[オーストリア 2006]

lat.copiare

Director:Claudia Ungersbäck
Sound  Claudia Ungersbäck, Matthias Mikes
[Austria 2006]
 

クローディア・ウンゲスベック
 
クローディア・ウンゲスベックはファッションデザインの一般教育修了上級レベルを取得し、ダブリン大学トリニティ・カレッジのデッサン教室に参加。ウィーン美術学校を卒業後は、クラクフ・ヤン・マテイコ美術アカデミーでアニメーションを使った版画を、ウィーン大学では哲学を学んだ。国際的な映画祭や展示での作品紹介多数。
www.claudiaungersbaeck.com
 

Claudia Ungersbäck 
 
Claudia Ungersbäck made her A-levels in fashion design, attended drawing classes at Trinity College Dublin,  graduated wienerkunstschule Vienna, class for printmaking with animation workshops at University of fine Arts Crakow and studied Philosphy at University of Vienna. Her films and artworks have been shown in international filmfestivals and exhibitions.
www.claudiaungersbaeck.com

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
Q
とても楽しい作品でした。あなたは美術分野出身の方のようですが、どうしてこの作品を私たちの「ダンス映画」祭に応募してくれたのでしょうか。あなたにとってダンスとはなんですか。
 
A:クローディア・ウンゲスベック
確かに、私は美術の人間です。デッサン、版画、絵画を専門としながら、動く身体を題材としてよく用いてきました。私は美術をパフォーマンスとして捉えています。私はペン、カメラ、ブラシ、コピー機でパフォーマンスをしているのです。ミシンと踊ることだってありますよ。美術はただ何かを描写するだけのものではなく、むしろダンスや詩や音楽と深く結びついています。ダンスは絶対的に自由だからです。
 
Q
「コピアーレ」はラテン語の言葉のようですが、機械のコピー機そのものを指す言葉ではないですよね。作品と言葉の関わりを教えてください。
 
A:クローディア・ウンゲスベック
この作品は私の版画専攻時代の修了制作で、元はインスタレーション作品でした。映像はコピー機に組み込まれ、タイトルは『animareprostalladuktion』でした。「anima(アニマ)」はラテン語とギリシャ語で「魂」という意味で、アニメーション(浮かんだ図像)の語源になっている言葉です。その『animareprostalladuktion』の映画バージョンがこの『コピアーレ』です。タイトルをつけたとき、私にはラテン語の言葉が持っている「文章を図像としてそのまま写しとる」「(美術作品などの)対象を描いたり写したりする」という意味を残すのが重要でした。芸術は自然の模倣であるべきだとする議論は、ヨーロッパの哲学ではプラトン以前から続く長い歴史を持っています。だから私にとって、自然物のコピーをアニメーション化することはデッサン行為の翻訳でした。伝統的な価値観を踏まえたオリジナルの作品を生み出すため、ただ自然物の模倣をするのではなくその先に進むための方法でした。
 

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
Q
It was a very playful film. Though your backgrounds are in the fine arts, you applied to our 'dance film' festival with this video. What made you decide to do so? What does dance mean to you?
 
A:Claudia Ungersbäck
Yes, I´m rooted in fine arts - classical drawing, printmaking and painting. The body in movement was always my preferred subject. My view on art is a performative - I perform with pens, cam´s, bushes or a copy machine. I even dance with my sewing machine. Art has more to do with dance, poetry or music than picturing something. Dance can be absolute freedom.




Q
You used the Latin word 'Copiare' for the title, not 'photocopy' itself, which plays an important role in this film. Why the Latin word? What is it referring to?
 
A:Claudia Ungersbäck
The film was my diploma in printmaking, I made an installative object - the film was built in a copy machine and the title was "animareprostalladuktion" which comes from anima - soul in Latin and Greek which is the basic meaning of animation- a floating graphic work. I made a version for cinema - lat. copiare. For me it was a more consequent decision to stay in original meanings of "copy" from the Latin word copiare - what means to picture the original text in the same way as the original as well as to picture or copy a sujet often an artwork. The discussions of art being copies of nature or performed copies of nature has a long tradition in European philosophy starting long before Platon, I found it interesting to animate a copy of a fact of nature in a way of translation in drawing and go further to produce original work in a classical sense -to go further than making a copy of nature.
 

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

エグゾルテーション・高揚

監督:サム・アサート
振付:クリストファー・ヒル
[ベルギー 2021]

Экзальтаци(EXALTATION)

Director:Sam Asaert
Choreographer:Christopher Hill
[Belgium 2021]

Film by Sam Asaert
Dancer:Juliet Burnett
Director:Sam Asaert
Choreographer: Christopher Hill
Cinematographer & Editor:Sam Asaert
Original Music by Andrey Dergachev
“Deus Version One”

«Sirin» Ensemble of Old Russian spiritual music
Ensemble leader Andrey Kotov

Performers :
Olga Baigulova
Irinia Baigolova
Timur Bondarchuk
Yuri Orlov
Olga Goryacheva
Galina Guseva
Sergey Zalegin
Pavel Kunich
Olga Nikiforova
Andrey Nikiforov
Marina Shentalinskaya
Arkady Sagaidak
Pavel Suchkov
Polina Terentyeva
Valentina Georgievskaya
 

Executive producer:Sam Asaert
Producers:Sam Asaert, Juliet Burnett & Christopher Hill

サム・アサート
 
1987生まれ。映画作家、シネマトグラファー。視覚芸術分野の最先端で活躍し、革新的で詩的な作風を用いて普遍的なダンス映画作品を創造しつづけている。受賞歴多数。
祖国ベルギーの物語映画に素地を持ち、商用やドキュメンタリーの映像制作経験を経て、現在は自身の革新的な映像センスとダンス愛を組み合わせて創作を紡いでいる。コラボレーションを行う踊りのプロフェッショナルと共に瞬間的な芸術である踊りを保存可能なメディアである映像へと詩的で芸術的な変換を行い、また、動的で映画的なカメラムーブメントを振り付けへと変換することで、双方のダンスと映像の経験を融合しダンス映画を創作している。
 

Sam Asaert
 
Sam Asaert (1987) is an award-winning filmmaker and cinematographer working on the cutting-edge of contemporary visual art — creating innovative, poetic and timeless Dance Cinema.
Hailing from narrative fiction film in his native Belgium — with a solid background of commercial and documentary work as well — Sam Asaert combines the visual prowess of innovative cinematography with his love for dance. Working with professional dance collaborators, Sam fuses decades of dance knowhow with decades of cinematic experience to create Dance Cinema — the artistic and poetic translation of the ephemeral medium of dance into the timeless medium of film, as well as the kinetic and cinematic transformation of camera movement into choreography.
 

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
 
Q
以前本映画祭で紹介した『オブ・サイレンス』でも思ったことですが、どこか無重力を感じさせる表現がこの作品にもあるようです。監督からみてどうでしょうか。このようなテイストは自分の特徴と言えると思いますか?
 
A
ダンス映画は踊りをライブ・パフォーマンスでは体験できない形で提示することができます。主な理由は、ライブ・パフォーマンスは時間の連続性と、実在の重力に縛られているためです。そして例えば私が最も頻繁に扱う踊りの形態であるバレエは、あたかもダンサーにかかる重力が少なく見えるように気を配り、観客に時を止めて見せようとしますが、手法としてのダンスはこれに長くは応えられずダンサーは一度飛び上がっても必ずまた降りてきます。その一方で映画は、時間や重力に縛られません。
私は10年以上前に、バレエ専門の写真家としてキャリアをスタートしました。その時の私が写真に収めていたのは、ダンサーの体がバレエの理想のポーズと完璧に重なる瞬間でした。写真は現実を拒絶し、宙に浮いたダンサーを停止させ、振付けの捉えることでそれを永遠としたのです。そんな当時の私が夢中になったのは、もしダンサーを宙に浮かせて停止させたままカメラだけが動けたらどんなことができるだろう、ダンサーが物理法則を無視することができたらどうなるだろうという考えでした。2014年に私はこの考えを元に映画『バレエ・スパイラル』を作り、これがダンス映画との関係の転換点になりました。私の映画技法を通じてのダンスと、映画を追求する芸術の旅は実験に溢れ、ダンスを現実的な制約から解放してきました。ダンス映画を作る時、ただ踊りの映像記録にならないよう、映画としての完成度を高めることに細心の注意を払っています。
ダンス映画に於いて、ダンサーとカメラはどちらも観客に劇場では経験できないものをもたらすための創作の道具です。それに時間と重力も、感情とテーマ表現のためにはやはり興味深い道具なのです。
 
Q
的外れかもしれませんが、作品を見てタルコフスキーの映画『惑星ソラリス』を思い出しました。近未来のSF作品のようにも見えました。この女性は、この作品の中で一体どういったキャラクターとして描いたのでしょうか。
 
A
私にとってタルコフスキーを映画言語の達人です。映画を時間のモザイクとみなす彼の理論には影響を受けました。ただ『惑星ソラリス』より彼の『ストーカー』とこの『エグゾルテーション・高揚』の美的な関連性を指摘させて下さい。単色的な色彩配置と極端な長回しにより、観客は編集に邪魔されることなくイメージをしっかり取り込むことができ、印象が深く染み込みます。ロシア人作曲家のアンドレイ・デグラチェフによる衝撃的な音楽は『エグゾルテーション・高揚』に特有の宗教的な雰囲気をもたらしていますが、これもタルコフスキー作品と通じる点でしょう。SF映画はしばしばディストピア社会をテーマに選びます。『エグゾルテーション・高揚』をSF映画とは思いませんが、瓦礫と砂の粗野な風景に一人だけ佇む美しいダンサーは、この作品にディストピア的な空気感を与えています。彼女は繊細なようで、この作品の核になる強さと力に溢れています。魂が徐々に目覚め、感受性が開く様。人間は自らの力で未開から脱することができるのだという発見。ダンサーは「自己」の象徴なのです。それが自我に目覚め、より高度な状態を志向することで、環境に埋め込まれた欲望から解放されます。一言でいえば、高揚です。
 

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
 
Q
I sensed some weightlessness or some focus towards gravity in the expression of this film. Maybe a similar sense was in your "Of Silence" too, the dance film our festival screened in 2019. What do you think? Do you consider this your artistic feature by any chance?
 
A
Dance Cinema can present choreography in a way it can never be experienced as a live performance. Prime reason is that a live dance performance is bound by the continuation of time and the reality of gravity. And even though a lot of ballet, which is the form of dance I work with most, is geared towards having dancers seemingly effortlessly defy gravity and making time stand still for audiences, dance as a medium is ephemeral and if a dancer jumps on stage he or she will still have to come down. Cinema as an art form, on the other hand, is both timeless as well as unbound by the limitations of gravity. 
I started my career, over a decade ago, as a ballet photographer, where you capture a single moment of time, that one single moment where every part of a dancer’s body aligns to reach the pinnacle position of balletic perfection. In doing so, a photograph defies the temporal reality of dance by capturing one slice of choreography for eternity, for example with the dancer frozen in mid-air. I then became fascinated with what would be possible if a camera could continue to move while freezing this single moment, or if the dancer didn’t need to obey the laws of physics. In 2014 I made a film based on this idea, called Ballet Spiral, which was a sort of jumping off point for me in how I look at dance on film. My artistic journey in exploring dance through cinematography and exploring cinema through choreography, is definitely rich in experimentation with ridding dance of its real-life limitations. I try very hard to elevate dance to a cinematic level when creating Dance Cinema, as opposed to simply registering dance on camera. 
In Dance Cinema, both the dancer and the camera are creative tools with which to give audiences an experience of dance they can not have inside a theater and time and gravity are interesting elements to use as tools for emotional and thematical exploration on film. 
 
 
Q
One of our festival staff linked your film with "Solaris" by Andrei Tarkovsky. I, too, could feel some Sci-Fi like taste with this film. Do you agree? What kind of existence is the dancer representing in this piece? 
 
A
I consider Tarkovsky to be one of the masters of the cinematic language. His theory of film as a mosaic of time has been very influential. Though I would point more towards Stalker, because there is a clear link between the visual esthetic of that Tarkovsky film and our film Exaltation. Mainly the monochromatic color scheme as well as some very long takes, allowing the audience to really soak up the image and giving it a more profound impact, unencumbered by edit. The absolutely stunning music by brilliant Russian composer Andrey Dergachev lends Exaltation an certain religious atmosphere, which is something that might be considered in line with the work of Tarkovsky as well. Sci-Fi films often explore the theme of Dystopia. Though I would not classify Exaltation as a Sci-Fi, there is definitely a dystopian feel to our film, with to the rugged location, the rubble and the dust, and our beautiful dancer as a sole figure within this brutal landscape. She seems fragile but exudes such power and energy, which is the core of the film. This gradual awakening of spirit and the emergence of sentience. The notion that a being can gradually rip itself away from a primitive state. The dancer in this case represents the Self, evolving into self-consciousness, and thus becoming aware of a higher order and no longer bound by the instinctive programming of the environment. In one word, Exaltation.
 

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

ヲヨ

監督 アニエス・キレ
振付・企画 ラシィナ・コネ
[マリ 2021]

WOYO 

Director Agnès Quillet
Design by Lassina Kone
[Mali 2021]

Directed by Agnès Quillet
 
Design by Lassina Kone
 
With the dancers 
Nohou Abdrahamane
Oumar Coulibaly
Samuel Djoulaye Coulibaly
Yatandou Zita Damango
Mariam Diabaté
Mountaga Diarra
Adiaratou Doumbia
Ousmane Fofana
Balkissa Kébé
Tiemoko Niambélé
Moussa Sanogo
 

And the choreographers :
Christophe Chéleux
Alou Cissé dit Zol
Hardo Ka
Abdul Kinyenya Muyingo
Auguste Ouédraogo
Aguibou Bougobali Sanou
Mascha Tielemans

ラシィナ・コネ
 
振付家、企画者。カリム・トゴラと共に舞台芸術の訓練を受ける。その後、マリおよびギニアで自身のルーツを探ると共に実践の中で見識を深め、その豊かな才能から、自身のカンパニーであるドン・セン・フォロで現代的振り付けスタイルを完成させた。芸術家でもあり、文化ファシリテーターでもあるコネはダンストレーンングプログラム「22世紀の身体」ならびに、バマコ市のマーケットでのダンス・レジジデンシーであるフィラニケレ・フェスティバルを主宰している。公共空間をアーティストの立場から最適化し、市民の日常に詩的な交流をもたらすことを目標に掲げる。2020年には、バンクマナ市に滞在創作の拠点ドン・セン・フォロ・ラボを開設。

Lassina KONE, choregrapher conceptor
 
Lassina Kone trained on stage with Karim Togola. He then went in search of his roots in the regions of Mali and Guinea and completed his knowledge through training. Nourished by this richness, he gave birth to his own contemporary choreographic writing with his company DON SEN FOLO. Lassina Kone is an artist and a cultural facilitator. He is the initiator of the dance training "Corps pour XXIIe siècle", and of the Fila Ni Kélé festival, a contemporary dance residency in the markets of Bamako. He affirms his desire to re-appropriate public space as an artist, offering his population a poetic dialogue with everyday life.
In 2020, he opened a creative residency in Bacoumana called Don Sen Folo-LAB.
 

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
Q
「ヲヨ」とはアフリカのヲヨ族の文化や人々のことなのでしょうか。マーケットにいる人々はヲヨ族の方々なのでしょうか?
 
A:アニエス・キレ
「Woyo(ヲヨ)」は「流れ」という意味のバンバラ語(マリ南部の主要言語)です。タイトルを『ヲヨ』としたのは、ダンサー達が日常から切り離された存在でないからです。劇場のように閉じられ限定された空間で発表されるわけでもありません。ダンサー達は水のように自由に流れに順応しています。この作品はこのような流れ、つまり日々変化する市場の動きとダンスの軌跡を捉えたものです。
 
Q
たくさんのダンサーが、時間をかけて取り組んでいるプロジェクトのドキュメンタリーを見せてもらったようで圧倒されています。あなたの地域でコンテンポラリーダンスをすることに、どんな思いがありますか?
 
A:アニエス・キレ
映画『ヲヨ』は、バマコ・フィラ・ニ・ケレ・フェスティバルの会期中の若いマリのダンサー達と国際的な振付家たちの、三週間にわたる市場でのレジデンスを追っています。ダンサーはドン・セン・フォロによる3ヶ年のコンテンポラリーダンストレーニングコースを受けた人たちです。マリではコンテンポラリーダンスの存在感は殆どなく、20年程度の歴史しかありません。人々は日常に花を添える(結婚式、洗礼式、古くからのお祭り等)伝統的な舞踊の鑑賞に親しんでいて、地域や民族ごとに独自の踊りを持っています。バマコ・フィラ・ニ・ケレ・フェスティバルが市場で開催されるのはこのためです。コンテンポラリーダンスの創作過程を人々に開き、ダンサーの仕事を知ってもらうためです。若手アーティストはもっと自己アピールをしなければいけませんし、若い人観客には自分に向けられた芸術表現に感動する経験が不足しています。職業として人々に認めてもらうためには、コンテンポラリーダンスで食べていけるということを自分から進んで示さなければなりません。ドン・セン・フォロは10年以上、バマコでコンテンポラリーダンスの活動を続けてきました。しかしまだまだ成果は十分とは言えません。マリは広い国ですから、郊外では尚更です。
 

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
Q
I found that Woyo is an ethnic group and/or culture in Africa. Is this the meaning of the film title? Are the people in the market Woyo people?
 
A:Agnès Quillet
Woyo means "Flow" in the Bamabra language (the majority language in the south of the country)
The film is called WOYO because the dance here is not cut off from life. It is not presented in a determined and closed space. It is free like water and adapts to the terrain. The film shows the experience of this movement, of this dance that is created every day in the constantly changing market.
 
Q
I am astonished to see this film on your project that many dancers have worked on for a long time. What does it mean to you to dance in a contemporary style in Bamako and the regions you live in?
 
A:Agnès Quillet
The film WOYO, follows the journey of young Malian dancers and international choreographers during three weeks of residencies in the markets of Bamako in Mali during the festival "Fila Ni Kélé - Bamako". The dancers followed a three-year training course in contemporary dance with the Don Sen Folo association. Contemporary dance is very little present in Mali. It only emerged in the year 2000. The population is used to seeing the traditional dance that gives rhythm to life (weddings, baptisms, traditional festivals). Each region and ethnic group has its own dances. This is why the "Fila Ni Kélé - Bamako" festival takes place in the markets, it makes contemporary creation accessible and educates the population about the work of the dancer. But young artists need to express themselves and young people need to see art that speaks to them and touches them.  If we want to create vocations, we must show that it is possible and that we can make a living from it. Don Sen Folo has been working for more than ten years in the field of contemporary dance in Bamako, but there is still a lot of work to be done, especially in the regions, as Mali is a very large country.