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国際ダンス映画祭2021 オンライン配信
INTERNATIONAL DANCE FILM FESTIVAL 2021 ONLINE

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

GHOSTS AND ALL

監督・振付・出演・編集・アニメーション:横山彰乃
[日本(東京 / 神奈川)2021]
 

GHOSTS AND ALL

Choreography / Dance / Edit / Animation:Ayano Yokoyama
[Japan 2021]

監督 横山彰乃
音楽:Bruno PernadasAhhhhh”
撮影/ 編集:吉開菜央
写真撮影:高松彩子
主催:山麓
協力:横浜赤レンガ倉庫1号館 [公益財団法人横浜市芸術文化振興財団]
Special Thanks:斎木穂乃香、豊田穂舞、瀧本麻璃英、齋藤俊太
振付/ 出演/ 編集/ アニメーション:横山彰乃

A film by Ayano Yokoyama MusicBruno Pernadas Ahhhhh
Cinematography / EditNao Yoshigai
PhotographyAyako Takamatsu
OrganizationSANROKU
Gaffer / SupportYokohama Red Brick Warehouse No.1 [Yokohama Arts Foundation]
Special ThanksHonoka Saiki, Homai Toyoda, Marie Takimoto, Shunta Saito Choreography / Dance / Edit / AnimationAyano Yokoyama

 

photo Ayako Takamatsu

横山彰乃

ダンサー・振付家
長野県出身。2009年より[東京ELECTROCK STAIRS]メンバーとして国内外の全作品に出演。
2016年ダンスカンパニー[lal banshees]立ち上げ。 音との繫がりのある緻密な振付で、モダン・ストリートダンステクニックをベースとしながら、囚われず派生し、感覚に着目した独自のムーヴメントを追求し、中性的な作品を創作。自身で楽曲制作、舞台美術デザインなども行っている。 普通の事をファンタジックに切り取り現実に戻す音楽的ダンスを体現する。 セゾン文化財団セゾンフェロー I
http://www.yokoyamanaa.com/

Ayano Yokoyama

Dancer / Choreographer
Ayano Yokoyama was borned in Nagano, Japan.
She has joined the dance company TOKYO ELECTROCK STAIRS since 2009.
She launched the all-women dance company〈 lal banshees〉 in 2016.
She has developed a unique choreography style based in hip-hop and modern dance techniques, featuring neutral expressions and a deep relationship between sound and movement.
She draws on her aesthetic sensitivity for her work, creating her own music and set design.
She embodies a music-focused dance that fancifully isolates mundane moments and brings them back to reality.
Saison Foundation Saison Fellow I
http://www.yokoyamanaa.com/
 

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
 
Q
この映画がコロナ禍で舞台が中止される時期に中止されてゆく舞台作品を想って作った作品だと知りました。あなたにとって舞台、ライブの公演とは何ですか。そんなあなたが映像作品を作るときに、ジレンマはありましたか。
 
A:横山彰乃
観客目線ですが、人の纏う何か気のようなものや、空気の振動や光の粒子などを感じられるのがライブだと思っています。観る、観られる関係にはありますが、それ以上に、その場に一緒に居合わせるものだと思っています。
その時間は一瞬で過ぎ去りますが、その一瞬一瞬に向けて、様々なセクション合わせると多くの人が膨大な時間と労力をかけている。でもそこに居合わせた人しか体感できない。
特にダンスの上演は、打ち上げ花火みたいです。
 
生ものとして上演前提で作られた作品の記録映像はあまり好きでありませんが、元々映画に興味があったので、映像としてのダンスと、ライブ上演としてのダンスとを分けて考えています。
 
映像は各々のデバイスで観ると飛ばすことができてしまうのが気がかりで、何度も観られる、戻せるという利点もありつつ、上演より強制力は弱いのかなと思い(映画館のような場所は別ですが)、画面の大きさや周辺環境や音の大きさなども指定できない、その点のジレンマというか懸念は大きかったです。初めて映像を作ってみて考えました。
 
 
Q
ひたすら踊り続けるダンサーと、アニメーションが印象的でした。アニメーションについての考えを教えてください。この作品の場合、アニメーションも踊っていると言えるでしょうか。また、この作品でアニメとダンスに主従関係はありますか。
 
A:横山彰乃
アニメーションは、生身の人間では絶対できない動きをしているところがとても面白いとずっと思っていました。
 
今作はわたしの手描きで作成したのですが、アニメーションの動きを作る点も、人間への振付の作業と似ていると感じました。ただ、人間のダンスの場合は、どんなに緻密に決めて精密に動いたとしても、機械ではないのでそもそも無理だし、できたとしても踊り手本人が意図していない見え方が、外的要素など含め、偶然の連続で起きています。対照的にアニメーションは意図して描かないとその動きにはならないという当たり前のことを実感しました。その差異に気づけて面白かったです。
 
アニメーションも踊っていますね。本来はただそこに存在して漂っているだけのようなイメージだったのですが。
わたしが素人だからなのですが、思ったように全然動かせず、描いて再生してみたらこういう動きになったというシーンがほとんどで、ただの線の動きよりもダンスになっていました。この線たちはもう勝手に踊ってらっしゃる...と思いました。
主従関係はあまりなく、ダンスのタイムラインとアニメーションのタイムラインと同時に混在させながら考えていきました。というより主は、撮影地の劇場(横浜赤レンガ倉庫ホール)で、ぽっかり空いている劇場を忘れたくなかったから、その空間を考えていました。

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
 
Q
I read your comment that you made this piece thinking of the stage productions canceled during the Corona pandemics. What does stage or live performance mean to you? Did you have any dilemma making this video work and not a live performance?
 
A: Akino Yokoyama
As an audience, a live performance is where you can feel the spirit of the people, vibration of the air, or particles of light. It's a connection between audience and performer, but more than that, it's about being there together.
For each moment of a performance, a great time and effort are put in by the artists. But it is something only for those who are there to experience it.
They are like fireworks, dance performances in particular.

I'm not eager to make documentaries of live performances, but I have always been interested in film. So I think different of dance films and live performances.

I am concerned about the video being able to be skipped when watched on different devices. While having the advantage of being able to rewind and watch a specific scene repeatedly, (if not seen in the cinema) the audience could have less focus. An online screening could not specify the size of the screen, the surrounding environment, and the sound volume. This was a big dilemma for me. Being the first dance film I made, I had these thoughts to myself.
 
 
Q
I was impressed by the seamless dance and also the animation. What can you tell us about the animation? Can you say that the animation is also dancing? Is there a master-subordinate relationship between animation and dance?
 
A: Akino Yokoyama
The interesting thing about animation is that it moves in a way that a real person could never do.
I draw the animation myself by hand. Drawing the movements for the animation was similar to the process of choreographing. But in dance, no matter how precise the movements are, it cannot be perfect because the dancer is not a machine. Even when it is done perfectly, coincidence makes the dance look different from the original intent. In contrast, with animation, you have to draw with specific intention to get the right movement. I found this very interesting.

Initially, I planned animation to be just floating around, but now I see it dancing.
I'm not a professional in animation, so I couldn't move them as I wanted to. So in a way, I never predicted the outcome. It was as if these drawings were dancing with their own will.
There wasn't much of a master-subordinate relationship. I was thinking about the timeline of dance and animation mixed together. The most prominent thing I was thinking about was the Yokohama Red Brick Warehouse, the theatre we filmed in. I didn't want to forget that the theatre was empty, with all the performances canceled.
 

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Blue/Orange

監督・脚本・撮影・編集:山川智輝
[日本(岐阜・福井)2020]

Blue/Orange

Direction/Scenario/Camera/Edit:Tomoki Yamakawa
[Japan 2020]

出演:片山みのり 中島悠
監督・脚本・撮影・編集:山川智輝
録音:浜口春樹

山川智輝
 
1994年岐阜県生まれ。専門学校名古屋ビジュアルアーツ映像学科卒。2016年に『瓜二つ』が19th CHOFU SHORT FILM COMPETITIONグランプリ、第20回水戸短編映像祭コンペティション部門準グランプリを受賞。2020年に『Blue/Orange』が第22回長岡インディーズムービーコンペティション奨励賞を受賞。2021年に『ニヒル』がショートピース!仙台短篇映画祭2021「新しい才能に出会う」に選出。

Tomoki Yamakawa
 
1994 in Gifu, Japan. After graduating from movie department of Nagoya Visual Arts.
In 2016, his work ‘Two Peas in a Pod’ won the Grand Prix at the 19th Chofu Short Film Competition and took the Semi-Grand Prix for the 20th Mito Short Film Festival.
In 2020, ‘Blue/Orange’ won the Encouragement Award at the 22th Nagaoka Indies Movie Competition.
In 2021, ‘Nihil’ was selected for the 2021 Sendai Short Film Festival.

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
 
Q
『Blue/Orange』をダンス映画祭に応募いただき、ありがとうございます。この作品が作家の山川さんにとって、ダンス映画である意義を教えて下さい。
 
A:山川智輝
私は作家として映画を作ってきましたが、その中の多くの作品で身体性というものが重要なファクターとなっています。『Blue/Orange』では、火祭りとダンスの融合により、衝動のようなものを表現しているシーンがあります。これはダンスでなければできない表現であったと確信しています。ブルーとオレンジ。水と火。夏と冬。静と動。様々な対なるものをモチーフにしていますが、動の表現はダンスが持つエネルギッシュな力強さが必要不可欠でした。
 
 
Q
作品としては5分と短いですが、拝見した印象としては「ゆっくりと動いている時間」が常に流れていると感じました。私としては特にカメラが動いている、もしくは揺れている表現が興味深かったです。どのような意図と手法によってこの「ゆっくりと動いている時間」の効果が生まれているのでしょうか。
 
A:山川智輝
手法ですが、すべて手持ちカメラで撮影をしています。手持ちで撮影することによって揺れが生まれます。そうしたのはドキュメンタリーのように撮影したかったからです。
また本作はアスペクト比が4:3ですが、16:9で撮影して編集時に4:3にしました。4:3が感覚的にしっくりきたのですが、それは何かを集中して見ている時、人の視野でピントが合っている範囲に、16:9より4:3の方が近かったからだと考えています。個人の視点で対象と向き合うように撮影していたからこそフィットしたのだと思います。意図ですが、私は人間は自然の一部であると考えています。日々を忙しなく生きていると忘れがちですが、自然の中に身を置くと、ゆっくりと動いている時間が流れています。その考えが映画に反映されています。

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
 
Q
Thank you for submitting "Blue/Orange" to our dance film festival. Would you please tell us why this work is a dance film for you as an artist?
 
A: Tomoki Yamakawa
Physicality is an important factor in many of my films. In "Blue/Orange", a scene expresses an impulse by combining the fire festival and dance. I am convinced that this expression could be only be achieved through filming dance. Blue and orange. Water and fire. Summer and winter. Stillness and movement. The motifs are based on various opposites, but the energetic power of dance was essential to express the energy of the movement.
 
 
Q
The film is only 5 minutes long, but my impression is that there is a continuous stream of slow-moving air. I am interested in the expression of the camera constantly moving or wavering. What was your intention and how did you create this effect of slow-moving air?
 
A: Tomoki Yamakawa
I filmed all scenes with a hand-held camera, which produced the wavering effect. I did this because I wanted to shoot it like a documentary.
Also, the aspect ratio of this film is 4:3, but I shot it in 16:9 and changed it to 4:3 when editing. 4:3 felt right because 4:3 is closer than 16:9 to the range of focus in a person's vision when looking at something intently. I think 4:3 fits because I was shooting from a personal point of view, facing the subject. I believe that human beings are part of nature. It's easy to forget when you're busy living your everyday life, but there's slow-moving air when you feel nature. The idea is reflected in my film.
 

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Inorino/知覚民話

監督:岡内大三
振付:カタタチサト
[日本(香川)2021]
 

Inorino/Perspective Folktale

Direction/Produce:Daizo Okauchi
Dance/ Choreography:Chisato Katata
[Japan 2021]

Direction/Produce:Daizo Okauchi
Shooting/Editing:Shinsuke Inoue 
Dance/ Choreography: Chisato Katata
 
Shooting: Shintaro Miyawaki
Act:Su,MikiYuki
VJ:Kouichi Inoue Music:Eri Minamiguchi、Ippen 、Akinori Ikawa、 Daizo Okauchi 
Recording: KxZxO

井上真輔(撮影・編集)/岡内大三(監督)/カタタチサト(振付・出演)

監督の岡内大三(写真:中央)はライター/映像作家として、難民や移民、少数民族などの共同体を取材し、様々な媒体で発表している。本作品はNY拠点のジャーナリズムメディアHEAPS MAGで連載中の「祈りのルポルタージュ」で取材した祈りの現場から着想を得て企画した。近年は,新たなストーリーテリングの手法を模索。音と視覚表現とジャーナリズムを融合した作品を制作し、映像化している。ANTICALと制作会MITRO PRODUCTION代表。
本作品で共創した撮影/編集の井上真輔(写真:左)は、ボスニアに通い、現地の人々の暮らしを撮影している。写真家としては、デンマーク王立芸術アカデミー(KADK)にて個展を成功。ノンフィクションの表現の土壌を有する2人は、様々な映像作品を共に制作している。振り付け/出演のカタタチサト(写真:右)は”和栗由紀夫+好善社”に6年間所属し、ほぼ全作品に主要ダンサーとして出演。2000年 ”東雲舞踏”結成メンバー 。第3世代舞踏グループとして注目を集め、国内公演や、海外フェスティバル参加多数。DANCE BONBON主宰。
 

 
 

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
 
Q
工房のような場所から作品が始まりますね。外国の作品を見るときに感じるようなその国の人間しか知り得ない生活感、日常とつながったリアルな風景を感じました。あの工房のような場所はどこですか。どうして作品をあの場所から始めたのでしょうか。
 
A:岡内大三
この作品のテーマは「祈り」です。私たちは祈りという言葉へ畏敬の念と、不信を同時に抱え、制作を開始しました。科学をよりどころとする現代社会では、祈りは存在感を失い、時に非効率なものととらえられる言葉です。しかし考えてみると祈りという習慣がなかった民族を私は知りません。衣食住と同じように、人が必要なものとしてきたもので、生存戦略のひとつとして本能に組み込まれているのかもしれません。本能であるとすれば、祈りの持つ効果や可能性を捉えなおしたいと思いました。
 
あの工房は、漁師町にある友人の造形家の住居です。彼は知人の小売業者の倉庫の一角を借りて、猫と一緒に暮らしています。映像を撮影したのは、彼の作業場ですが、その真横に薄い仕切りの奥に、寝床があります。面白いのは、まだ倉庫として利用されていることです。プライベートと仕事の空間ですが、誰のものかわからない造形物や書籍もたくさんあります。つまり、不特定多数の人の記憶や情報が無秩序に堆積しているので、知識や情報が散乱し、いつもどこかに不安が漂う現代人の脳内のメタファーとなると感じました。そのような社会では、目に見えない物への想像力がなくなりがちです。私たちの社会と祈りとの接続を表現できる場としてあの空間を最初に撮影しました。
 
 
Q
『Inorino/知覚民話』の作品後半では、妖怪のような、神のような存在が踊っているようです。あれはどんな存在なのでしょうか。どんな事実や調査に基づいて、形作られたキャラクターなのでしょうか。
 
A:岡内大三
この作品制作にあたり、ムスリム、仏教の僧侶、キリスト教徒、宮司、ヒンドゥー教徒など、日々祈る人に「祈り」について取材しました。3.11以降、毎月福島原発の工事祈願を行っている僧侶は「覚悟」という言葉で祈りを説明しました。ほかの僧侶は、「差別や階級のない理想の世界を、権力者にばれないように静かに潜めたもの」といいました。ムスリムは「神をたたえる」という言葉でしたが、私にはその行為が彼らの仲間や家族への愛情を高めている気がしました。宮司は「世の中の安寧」「神々、祖先への感謝」と、いいました。この作品はすべてそういった情報をもとにした、カタタチサトと井上真輔との対話の中から生まれています。ダンスに関する衣装や振り付けは彼女が考え、カメラマンの井上真輔がそれを、切り取り、調理するという制作過程でした。彼女の言葉ではあの神のような存在は、「数多の祈りを呼び寄せ集めているようでもあり、 水晶玉のようにそれ自体はなにものでもない」というものです。あの白い存在がいる次元に、死や生と叫びを内包する存在である緑の物体が近づくことで、祈りの世界の創造が始まります。
私はこの制作を通じ、どの祈りも目指す次元が同じであり、普遍性があるものだと感じ取りました。ではそれは、何か?それを視覚的に創造したのが、最後のシーンです。
 

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
 
Q
The film begins in a place like a workshop. I felt a sense of life that only the natives could know, scenery connected to everyday life. It was like seeing foreign films. Where is that workshop-like place? Why did you start your work from that place?
 
A: Daizo Okauchi
The theme of this work is "prayer". We started with a sense of awe and disbelief in the word "prayer". In our modern world based on science, prayer is a word that has lost its presence and sometimes seen as inefficient. But when I think about it, there are no ethnic groups that didn't practice praying. It is something people always need, like food, clothing, and shelter. Perhaps it is part of our instinct as a survival strategy. And if it is was an instinct, I wanted to rethink the effects and possibilities of prayer.
That place is the residence of a modeling artist in a fishing town. He rented one corner of a warehouse belonging to a retailer. He lives with his cat, sleeping behind a thin partition. We shot the film there. What is interesting about this place is that it's still used as a warehouse while he lives in it. A private and semi-public space at the same time, some sculptures and books there belong to no one. In other words, the memories and information of an unspecified number of people are there unorganised. This is a metaphor for a modern mind, where information is scattered and anxiety is always there. In our modern society, we tend to lose our imagination towards things we cannot see. I first photographed that space as a place where I could express the connection between our society and prayer.
 
 
Q
A spectral or divine presence dance around in the second half of your work, 'Inorino/Perspective Folktale'. What kind of beings are they? What kind of facts and research have you gone through to create this character?

A: Daizo Okauchi
To create this film, I interviewed Muslims, Buddhist monks, Christians, Shinto priests, Hindus, and others who pray daily on their thoughts on "prayer". The monk who has been praying for the Fukushima nuclear power plant since the Great East Japan Earthquake on 2011.3.11 used the word "preparedness" to describe his prayers. Another monk said that the prayer was "an ideal world without discrimination or class, hidden from those in power". The Muslims used the word "praising God", but I could see that their prayers enhanced their love towards their fellows and family. The Shinto priest said "peaceful world" and "showing gratitude towards gods and ancestors". This piece is based on such information and came out of a dialogue with Chisato Katata and Shinsuke Inoue. Chisato Katata came up with the costumes and choreography, and Shinsuke Inoue, the photographer, edited and prepared it into a film. In Katata's words, the divine presence in the film "seems to be a collection of prayers, but it is nothing in itself, just like a crystal ball of a fortuneteller". The creation of a world of prayer begins when the green creature representing death, life and cries, approaches the dimension of the white being.
Through creating this work, I have sensed that all the prayers share a goal and are universal. So what is this goal? I expressed it visually in the last scene.
 

 
 
 
 
 
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

ミメーシス

監督:越田乃梨子
パフォーマンス演出:藤田康城
[日本(東京) 2021]

mimesis

VIDEO DIRECTED by Noriko Koshida
PERFORMANCE DIRECTED by Yasuki Fujita(ARICA)
[Japan 2021]

映像監督:越田乃梨子
パフォーマンス演出:藤田康城
コンセプト・テクスト:倉石信乃
音響・音楽:福岡ユタカ
出演:川口隆夫   安藤朋子 
照明:千田実
衣装デザイン:安東陽子
協力:渡部直也
制作:福岡聡 (カタリスト)

VIDEO DIRECTED by Noriko Koshida
PERFORMANCE DIRECTED by Yasuki Fujita(ARICA)
TEXT AND CONCEPT by Shino Kuraishi(ARICA)
SOUND AND MUSIC by Yutaka Fukuoka
PERFORMED by Takao Kawaguchi   Tomoko Ando(ARICA)
LIGHTING DESIGN : Minoru Chida
COSTUME DESIGN : Yoko Ando(ARICA)
SPECIAL THANKS : Naoya Watabe(ARICA)
PRODUCER : Satoshi Fukuoka (Catalyst)

ARICA
 
2001年、演出家藤田康城、詩人・批評家倉石信乃、アクター安藤朋子らでARICA を設立。ソロ・パフォーマンスを軸としながらも、作品ごとにダンサー、俳優、音楽家、美術家らをゲストに招き、美術や音楽、デザインなどのクリエイティブ・ワークと呼応するユニークなフィジカルシアターとして知られている。サイト・スペシフィックな空間での上演も多く、空間の特性に配慮し、身体と共振するライブ演奏、メカニカルな装置の導入等を通じて身体表現の地平を切り開いている。今回の映像「ミメーシス」は、ダンサーの川口隆夫と共に2021年12月に上演される舞台作品「ミメーシス」のワンシーンを元にして、映像作家の越田乃梨子と共同で創作した作品である。

https://www.aricatheatercompany.com
 

ARICA was founded in 2001 by director Yasuki Fujita, poet and critic Shino Kuraishi, and actor Tomoko Ando. ARICA is known as a unique physical theater that invites dancers, actors, musicians, and artists as guests for each work, and interacts with creative work in art, music, and design, while focusing on solo performance. The company often performs in site-specific spaces, taking into consideration the characteristics of the space, and opens up new horizons of physical expression through live performances that resonate with the body and the introduction of mechanical devices. The video "Mimesis" was created in collaboration with the dancer Takao Kawaguchi and the filmmaker Noriko Koshida, based on a scene from the stage piece "Mimesis" to be performed in December 2021.
 
https://www.aricatheatercompany.com

ダンス映画監督たちへのメールインタビュー

インタビュー・翻訳:黒田瑞仁
 
 
Q
タイトルになっている言葉「ミメーシス」はギリシャ語で模倣を意味する重要な哲学用語だと思います。どんな思想のもとに作成された作品なのでしょうか。
 
A:藤田康城(ARICA 演出)
古来より「ミメーシス」はとても大きなテーマであり、特に芸術表現においては最も重要な思想の一つです。私たちARICAには、創立以来、座付き作家として詩人・批評家の倉石信乃が関わっています。ミメーシスは彼が持ってきた言葉です。今回、大野一雄に擬態するダンス公演で評価を得た川口隆夫を迎え、舞台における身体のミメーシスそのものの役割に焦点を当てました。例えば、身体の訓育は、健康のための体操や、柔道や空手などの武道、あるいは、茶道など伝統文化の所作に到るまで、模倣による反復訓練を通じて身体に刻み込まれる「型」でした。あるいは、国家においては、時として効率のため規律や訓練が繰り返され「有用な身体」が形成されます。今回の作品は、どこか奇妙にずれた身体の動きを新たな「型」として伝承する、架空のワークショップを想定しています。やがて「教える−学ぶ」の関係が曖昧になり、「有用性」から逸脱する新たな意味作用が出現します。
 
 
Q
パフォーマーには、クリエーションの現場で具体的にどのような指示が与えられ、作られているのでしょうか。
 
A:藤田康城(ARICA 演出)
今回は、長年に渡って舞台経験を重ねた2人とのクリエーションで、彼らの想像力とイメージを実現することへの欲望を信頼しています。私は、テクストをもとに大まかな方向性を示し、パフォーマーと会話を重ね、彼らの自主性を尊重し稽古を積み重ねる中で、少しずつシーンを立ち上げて行きます。演出としては、空間を読み、音・声を聞き、その中で成立する彼らの身体を正しく見ることが重要だと思っています。今回の映像は、舞台作品として創作している「ミメーシス」のシーンの一部を、映像作家の越田乃梨子に預け、彼女が映像作品としてディレクションした作品です。教える、教えられる、という一方向の関係性が徐々にあやふやとなり、最後にはミメーシス=模倣の中で登場人物の映像が重なり合って行きます。
 

A Mail Questionnair to Dance Film Directors

Interview : Mizuhito Kuroda
 
 
Q
The word "mimesis" in the title is an essential philosophical term, meaning imitation in Greek. What did you have in mind when you created this piece?
 
A: Yasuki Fujita (Director of ARICA)
Since ancient times, mimesis has been an enormous theme and one of the most important ideas, especially in artistic expression. Shino Kuraishi, a poet and critic, has been involved with ARICA since our foundation. He introduced the word mimesis to us. With Takao Kawaguchi, recognised for his dance performances imitating Kazuo Ohno, we focused on the role of physical mimesis on stage. Training of the body is based on "kata" or style, imprinted on the body through repetitive training. "Kata" is important in gymnastics, martial arts like Judo and Karate, and even traditional practices such as the tea ceremony. Or, on a national scale, discipline and training are sometimes desired for efficiency, to form a "useful body". This film presents a fictional workshop where misaligned body movements are handed down as a new "kata". Eventually, the relationship between "teaching and learning" becomes vague, and a new signification deviating from "usefulness" emerges.
 
 
Q
What specific instructions were given to the performers in the creation?
 
A: Yasuki Fujita (Director of ARICA)
I created this piece with two performers with many years of experience on stage. I trust their imagination and their passion for expressing their images. I gave them a general direction based on the text, talked to them repeatedly, respected their autonomy and gradually made the scenes through rehearsals. As a director, I think it is essential to understand the space, listen to the sound and voices, and see their bodies correctly as they work. This film is from a scene of a stage piece, 'Mimesis', which we are creating. We entrusted it to the filmmaker Noriko Koshida, who directed it as a cinematic piece. As the one-way relationship between teaching and being taught gradually goes away, the images of the characters overlap in mimesis, the imitation.